Músico, gana AUTOESTIMA: conoce tu cuerpo, muévete en coherencia.

El pasado martes estuvimos en el ESMUC, la escuela Superior de Música de Cataluña, el profesor Rafa Salinas, pianista y psicólogo, nos cedió su clase para que pudiéramos explicar nuestro trabajo científico realizado con la percepción y los cambios que se generan al sentarse en dos banquetas distintas.

Para presentar el tema preguntamos en voz alta qué pensaban los alumnos sobre la percepción y qué cosas pueden llegar a perturbarla. Esto creó un debate y salió el tema de la percepción de uno mismo, el miedo escénico, las críticas hacia uno mismo y la autoestima.

No era el tema de nuestra conferencia, no estábamos preguntando por ese tipo de percepción en ese momento, sino en una percepción más física y que es totalmente inconsciente y que depende de la integración de nuestros captores posturales y la sincronía de ejecución con el sistema nervioso central. Como el trabajo de nuestra presentación ya lo hemos explicado en este boletín en otras ocasiones, vamos a dedicar este número a hablar del tema debatido y su principal origen: la autoestima.

las lesiones de los artistas

Con el profesor Salinas, coincidimos en experimentar lo mismo aunque con experiencias distintas y espacios muy diferentes. Nuestro espacio, el de la consulta es refugio demasiado a menudo y de una manera camuflada al dolor, de señales de miedo y autocritica; lo que nosotros catalogamos como patológico y tratable, el pánico escénico, antes de manifestarse lo hace ya con pensamientos negativos hacia uno mismo, la constante comparación, el techo del nunca acabar del perfeccionismo, etc.. ¿Qué base tienen todos estos sentimientos?. El hecho de que no nos han enseñado a querernos, y esto, en el caso del arte si no se sabe llevar bien es nefasto.

A parte de ofrecer un tratamiento personalizado e individualizado, creemos que una de las maneras más directas y efectivas de quererse rápidamente es aceptarse. Y esta aceptación pasa por conocer tus emociones que se manifiestan en el cuerpo. Por lo tanto, moviendo el cuerpo llegamos a sensaciones corporales que nos transmiten conocimiento sobre nosotros mismos.

Nos ayuda saber que hay que confiar. La confianza de saber que nuestro organismo tiene el poder de autoregularse y que cuando se practica esta confianza diariamente y de forma regular se llega a un equilibrio.

La confianza nos permite que suceda la acción, y permitimos que las cosas sucedan. El bienestar pasa por ahí, por dejar que se asiente lo que suceda. Una de las maneras más rápidas que conozco que esto ocurra es estar muy presente de qué ocurre cuando me muevo, cuando siento la acción de la gravedad a la vez que se está atento de la respiración.

Por este motivo, en esta ocasión vamos a adjuntar un audio que pertenece al curso “35 mails, el camino hacia la optimización de tu rendimiento”, no trabajamos aquí la movilidad, si no la conciencia. Merece que invirtáis dos minutos en reconoceros antes del entrenamiento o el estudio ya que si no sabemos cómo estamos y tocamos con tensión o preocupados, estamos registrando esa emoción al movimiento. Así pues, mejor invertir en calidad y no en cantidad.

Espero que lo disfruten y practiquen. Escucha el AUDIO

Y si queréis recibir durante 35 días un mail cómo este es el enlace.

Su coste: 35 euros.

😉

La incongruencia del trabajo del actor.

Estos días, del 21 al 30 de noviembre estoy trabajando con un grupo de actores, llevo la parte de “cuerpo y voz” en el curso que imparte Carmelo Gómez en un taller especifico de investigación e interpretación sobra la obra de Federico García Lorca en Barcelona con la productora Carreteras Secundarias Teatro.

Cada día a primera hora de la mañana hacemos un trabajo de calentamiento general del cuerpo, seguidos de unos ejercicios individualizados según la morfología del esqueleto del actor y además ofrezco de forma teórica y práctica puntos de reflexión que dan pie a la auto observación de la mecánica y el uso del cuerpo en las actividades de la vida diaria preguntándose así si lo que se hace en clase y en los entrenamientos se sostiene o no en el resto del día.

Los ejercicios de entrenamiento y las puestas en escena van orientados a aumentar la escucha y manifestar lo que se siente de forma más visceral; ya sea por vectores de movimiento, por impulsos o por la escucha.

Normalmente estar conectado con las emociones que nos trasmiten el texto y/o el compañero cuesta. ¿Por qué?. Pulir la escena consiste en darle más verdad y coherencia. Aunque…¿Esta coherencia y escucha que queremos en los ensayos la desarrollamos en el día a día?. El trabajo de estar presente haciendo teatro, ¿es distinto de una escucha de la vida diaria? Entonces nuestro entrenamiento actoral se da la espalda con la desconexión física y emocional interna que se vive en el día a día y de la que no prestamos suficiente atención.

Para poder mostrar éste trabajo en escena es básico haberse familiarizado con él en la vida diaria. Tomándose un tiempo, que cada vez sea mayor, para la escucha de cada uno. El preguntarse tantas veces como sea posible el ¿Cómo estoy? Y sin juzgar, escuchar. Escuchar las emociones que surgen de mi, las tensiones de mis músculos, el cómo respiro y cómo piso.

Esta conexión me hará estar presente con la escucha y es el momento en el que se puede contestar con las vísceras, donde está el impulso y nuestra parte más emocional; conociendo al cuerpo y sus señales, y siendo coherente con el trabajo físico que se hace dentro y fuera del entrenamiento teatral.

Este trabajo se sigue dando patadas con la incongruencia de querer encontrar todo esto con unos ejercicios previos (saltar, respirar, tocarse, gritar, correr, equilibrarse, meditar, etc.) que incitan a una conexión interna para poder darlo todo en los ensayos y escenas cuando el resto del tiempo en el que vivo hago cosas tanto físicas como mentales que me alejan profundamente de este estado.

Pongo solo unos ejemplos para concretar: abrir el pecho, ventilar, sentir la respiración y la expansión, el contacto con el suelo y el peso. Mientras cuando estoy tumbado en el sofá o durmiendo en la cama no respeto esa obertura pectoral colocándome de cualquier forma porque ni tan siquiera me he parado a pensar cómo estoy.

¿Somos conscientes de en qué momentos de nuestro día a día tensamos el cuerpo, la voz, restringimos la respiración, o nos permitimos esfuerzos innecesarios? Acumulamos “momentos” en los que no se atiende a la demanda que está generando el cuerpo y se va a contracorriente de forma no fisiológica en la mayoría de las situaciones. No hay respeto por la forma y la manera de organizarse corporalmente en la mayoría de nuestras acciones.

El actor prima una puesta en escena en la que se respire ritmo, verdad, emoción pura, sentido y conexión. Y esto se trabaja con las emociones, escuchándolas, (también llamados impulsos), el vocablo utilizado no importa, lo que sí importa es entender y saber de dónde procede dicho arranque. ¿De dónde? Del cuerpo, y en concreto del vientre, del sentir, de las entrañas, del escuchar.

Esa escucha que se le reclama al actor que está conectado y en presencia del compañero y del texto, no pasa por una escucha únicamente auditiva, sino que pasa por una escucha interna.

Por lo tanto, si esto se pide en escena, en los ensayos y va dirigido nuestro trabajo a activarla, me parece una incongruencia pretender saber hacer esto cuando se está en el escenario y no en la vida diaria ya que nos va a resultar más costoso conectar con esa verdad (física y emocional) sólo cuando estamos ensayando.

Las disfonías de la voz y los dolores musculares en la gran mayoría de actores que trato diariamente es una clara señal de que algo no se está haciendo en la dirección adecuada.

La coherencia en el trabajo del actor que propongo es clara. El trabajo físico del actor, ha de pasar por un trabajo individual de reconocimiento y autoevaluación de uno mismo, de escucha del cómo estoy. Con ejercicios posturales y de conexión interna que lleven a adentrarse en las sensaciones corporales para vivir el día a día que nos lleve a conectar con las vísceras y lo primitivo: el instinto.

Si a este trabajo le unimos la parte escénica en el estudio del texto, entonces sí salen los impulsos, la coherencia, la fluidez, la escucha del compañero, el ritmo y las pausas.

El objetivo es no lesionarse y que el trabajo que ya se realiza con esfuerzo en los ensayos tenga una coherencia en la misma línea de funcionamiento que se pueda ir poco a poco acumulando para hacernos cada día conectar más rápidamente con nuestras emociones y acciones físicas.

Saber escucharse y enamorarse del autoconocimiento, en un estado de sorpresa y de querer sorprenderse, sin suponer “esto ya lo sé”, ya que con esto no podemos crecer.

Os propongo experimentarlo. Conocer los ejercicios corporales y de escucha que desarrollo en mi consulta en forma de curso grupal. Por eso os ofrezco dos fechas con dos espacios distintos. Madrid y Barcelona serán los escenarios.

Curso exclusivo para actores: ¡inscripciones abiertas!

Despertar la Conciencia del Actor. Claves hacia un trabajo físico y emocional.

Del 15 al 19  de Mayo en Madrid (curso introductorio). El 19 termina por la mañana. A petición personalizada e individual ser harán tratamientos terapéuticos y emocionales por las tardes, horas a convenir.

Del 10 al 16 de julio en Barcelona, de forma intensiva.  A escoger entre mañana solo (trabajo grupal) o mañana y tarde (las sesiones por la tarde serán individualizadas o en grupos de dos personas, con trabajo de interpretación y terapéutico- consultar precios y condiciones).

Los que ya han hecho esta formación conmigo opinan esto: OPINIONES DE EX-ALUMNOS que ya han hecho esta formación.

Descubre conmigo cómo unir la ciencia con la cultura para obtener un máximo rendimiento de ti mismo.

¿Quieres que me ponga en contacto contigo?. Te explicaré más. Déjame tus datos.

🙂

Visita mi web: http://www.cpae.net

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Mi hijo quiere ser artista. ¿Qué lesiones se derivan de la práctica instrumental o del baile?

Esta entrada es para padres que buscan una escuela de artes escénicas para su hijo. Ya sea como clases extraescolares o como algo más superior; a lo mejor ya han oído la frase que popularizó Concha Velasco: «Mama, quiero ser artista».

Vamos por partes. Dedicarse a las artes como algo lúdico es fenomenal, es creativo, es enriquecedor es conciliador, es elocuente, es un trato con nosotros mismos, con nuestras emociones, miedos, retos, es un tiempo para crecer, etc. Vamos a crear en su práctica una actitud diferente a la que hasta ahora se había desarrollado en la vida, ahora ese trabajo va a estar expuesto a un público que va a criticar el trabajo. La crítica es útil siempre que sea constructiva y sirva para crecer.

Voy al grano: ¿Qué ocurre cuando decidimos apoyar a nuestro hijo a seguir con su sueño?. Paralelamente a la hermosura del trabajo cultural y al hecho de dedicar tu vida a los escenarios deben saber que hay un trabajo muy duro detrás, que hay que saber llevar o al menos saber que existe y que como muestro a continuación, las estadísticas no son muy gratificantes. Aunque lo que vaya a continuación puede entristecer o asombrar al lector, recomendamos la práctica artística, ya que no hay nada ninguna activadad que al realizarla no ocasione alteraciones colaterales. Lo importante es conocerlo, saber que en gran medida se puede EVITAR y PREVENIR.

Hablando del colectivo musical, el 84 % de los músicos de los 377 entrevistados por la universidad de Sídney, Australia; han sufrido un lesión derivada de su práctica instrumental. Con un porcentaje más bajo, el 77, 2% en Portugal. Cifras que no distan de otras estadísticas internacionales. Las lesiones en los niños que estudian algún instrumento pueden ser igual de dolorosas que con los adultos, su cuerpo está creciendo y todavía los músculos están acortados sobretodo en los picos de este crecimiento, los llamados «estirones». Acoplar un instrumento con una posición forzada y postura mantenida no es fácil. Los profesores enseñan muy bien a sus alumnos aunque hoy en día la ciencia ha avanzado tanto que podemos ofrecer soluciones ergonómicas y tablas de ejercicios específicos para evitar esta consecuencia que es evitable y predecible. Tablas adaptadas a las necesidades y morfología del niño.

El global de lesiones en bailarines y actores en EEUU es del 64% en las mujeres y el 68% en los hombres. Y ahora comparen los resultados que cito a continuación con otros deportes a la ™pregunta sobre las pérdidas de orina. En gimnasia es del 56%, mientras que en la práctica del ballet es del  43%, quedando el aeróbic en tercer lugar con el 40%. Desafortunadamente nos encontramos en consulta que las bailarinas nos contestan afirmativamente y con un «pero solo cuando me rio, y le pasa a todas», a la pregunta: ¿se te escapa la orina?. E insisten que es algo habitual a la vez que nadie les había comentado nada sobre el tema.

™Toquemos con los pies en el suelo. No es poca cosa, ¿verdad? ¿Qué hacemos al respecto?. Simplemente estamos diciendo que hay que tenerlo en cuenta y que hace falta una mayor difusión de estos estudios, así de hecho de poder incorporar una formación básica preventiva dentro de la formación artística que contemple esta realidad paralela al disfrute en el escenario y al sudor que se deja en los entrenamientos.

lesión músico violinista

Padres, asesórense de profesionales cualificados para el tema, existen FISIOTERAPEUTAS especializados en la ATENCIÓN A LOS ARTISTAS.  Y pidan a las escuelas y conservatorios sobre CHARLAS orientativas sobre cómo asesorar al alumno según su morfología estructural, su cuerpecito, sus hobbies, sus prioridades, sus dudas, etc. Vengan a nuestras consultas, llamen, busquen información en las redes sociales, consulten estadísticas, encuentren a profesionales, estamos por la labor de asesorarlos y les explicaremos todo lo necesario para el correcto desarrollo motor y sensitivo del niño.

lesiones en la danza

Hace falta hablar más sobre el tipo de entrenamiento, sobre combinarlo con otros deportes o habilidades del niño, de su estado emocional, de sus expectativas, de su sueño y rendimiento es un pack. Queremos atender a niños felices en nuestra consulta que vengan a preguntarnos sobre cómo mejorar y prevenir lesiones, bien asesorados e informados. Estamos a su disposición, a favor de la cultura y apoyando a esos profesores que cada día se dejan la piel para atender a sus alumnos.

Gracias por apoyar a la cultura, hacerla crecer y convivir con ella a todos los que cada día dedican su tiempo, su corazón y su alma. Profesores y padres, dejaros ayudar, el arte se lo merece y entre todos podemos construir a mejorar con todos nuestros conscientes una sociedad artística.

Ana Velázquez

Directora del Centro de Prevención en Artes Escénicas de Barcelona.

http://www.cpae.net

 

¿Cómo se puede mejorar el rendimiento del actor?.

Para poder estar al lado del intérprete apoyando, comprendiendo y buscando conjuntamente mejores y más rápidos resultados hay que saber la historia teatral y adaptarla al tratamiento.

Nuestro objetivo es optimizar el rendimiento del artista. Vamos a ver cómo…

En 1963, Étienne Decroux publicó «Paroles sur le mime», una pura descripción del movimiento del mimo. La influencia de Decroux en el teatro es crucial. Sus estudios empezaron en Francia, pasando por Nueva York regresando a París en 1962 donde se creó una escuela estable hasta su cierre en 1985.

Decroux experimentó contínuamente con sus alumnos, la técnica del mimo corporal se convierte en sus manos en la metodología para formar actores en una forma particular de teatro físico que él mismo llama mimo. El trabajo del maestro, considerado el padre del mimo moderno, evolucionó en varias disciplinas, uno de sus discípulos, Jean Asselin, divide sus producciones en tres estilos diferentes: el mimo puro, donde se sigue la ortodoxia pura de la formación, el movimiento puro como expresión de la esencia teatral; el mimo impuro, que incluye la palabra y el mimo híbrido, resultado de la combinación entre ambos.

El mimo corporal es una herramienta de trabajo para el actor que puede adaptarse a cada estilo o proyecto teatral. Y esto hace de él un trabajo muy importante y muy habitual.

Margolis Method, siguió con el trabajo de Decroux, lo que hace es combinar las leyes de la física a la corporalidad del actor, la emoción, los impulsos, las intenciones…En esta técnica la comprensión del mecanismo es siempre inicialmente a partir del cuerpo del actor.

¿Cómo ha influenciado estas tendencias en el actor?

¿Cómo debemos adaptarnos los profesionales que os atendemos?

Somos los profesionales sanitarios especializados en la atención de los artistas en escena los que estudiamos a las necesidades técnicas del actor teniendo como objetivo principal dejar su cuerpo libre de tensiones al mismo tiempo que se busca el origen de las restricciones de movimiento, la producción del aire y en consecuencia se mejora la correcta proyección de la voz al optimizar el rendimiento del aparato fonador en consonancia con el respiratorio. Liberamos las tensiones y encontramos el entrenamiento más adecuado según la estructura corporal del actor y su capacidad física, con la finalidad primordial de que el actor pueda absorver toda la información de las clases, entrenamientos o ensayos teatrales a las que va a asistir.

El sentido de nuestra existencia es la de dejaros en óptimas condiciones físicas y emocionales. Cuerpo y mente se influyen mutuamente y es muy importante tenerlo en cuenta.

En el mimo impuro, el fisioterapeuta también va a ayudar al actor ya que mejorará la producción del aire y en consecuencia su correcta proyección al optimizar el rendimiento del aparato fonador en consonancia con el respiratorio.

Artes escénicas versus deporte

La especialización en la fisioterapia es cada vez más necesaria.

Es una profesión que puede establecerse en cualquier lugar y el de las artes escénicas es un campo muy necesitado para que el fisio esté a su lado. 
Si esto no ocurre más frecuentemente es porque hay una falta de información por los dos lados.

¿Qué ocurre? Que el sector artístico no busca en el campo de la fisioterapia por desconocimiento y por una falta de información, ni siquiera los artistas saben que existe una especialidad de la fisioterapia para las artes escénicas. ¿Acaso lo saben los fisioterapeutas? ¡Espero que cada vez sean más!

En el sector sanitario hay poca especialización y derivación. Sí, he dicho derivación. Me apena encontrarme en la consulta con pacientes que se han cansado de las técnicas propuestas por otros compañeros porque no les ha ayudado a mejorar su rendimiento o ir al origen de la lesión. Vienen tristes y con poca esperanza en la curación. En las artes escénicas es indispensable reconocer de dónde procede el mecanismo de lesión evaluando y haciendo un recorrido de la formación artística y de ahí que hay que trabajar con reconocimiento completo artístico. Métodos de estudio, frecuencia de trabajo, horarios, vestuario, material, tipo de esfuerzo escénico, etc.

Al paciente hay que hablarle con su mismo idioma, verle trabajar y ensayar en vivo y en vídeo para encontrar la base de su problema además de hacer un correcto diagnóstico y evaluación en estática y dinámica tanto de forma mecánica como sensorial. No es penséis que lo hago todo yo, ¡ni mucho menos! Me hicieron con dos manos y una sola cabeza, aunque sea de mujer y pueda pensar más de una cosa a la vez, incluso hacerla; en estos casos vale muchísimo más la pena derivar. ¡Zapatero a tus zapatos!. La finalidad es sacar un rendimiento mejor y una explosión del arte que lleva dentro nuestro intérprete así que hay que tocar varias teclas para llevarlo a cabo.

Por eso me río a veces y otras lloro cuando en los cursos de formación que dirijo dónde los participantes son todos ellos fisioterapeutas hay varios que me preguntan por si hay compañeros que ya se han especializado en su misma ciudad. Me lo preguntan por la competencia, y la captación futura de pacientes. Y esto es irreal, es algo que está en su mente solamente, en realidad la rivalidad no existe. Estoy tan segura de ello porque es imposible saber de todo y saberlo bien. Y para avanzar hace falta el trabajo en equipo y saber derivar (no me canso de decirlo). Vamos a poner como ejemplo el mío. Si yo hubiera tenido miedo a que mis propios alumnos me quitaran mi trabajo no hubiera enseñado nunca lo que sé. No hubiera podido avanzar lo que ahora he avanzado.

Explicando se aprende, se crece, se investiga, se comunica y se avanza a una velocidad de vértigo, elevada de forma exponencial a la gente que participa.

El conocimiento crece gracias a la divulgación. Y forma parte de mi manera de crecer y es básico para mí no llevarme a la tumba mis conocimientos, quiero compartirlos, es la única manera de crecer, de tener visiones diferentes de la vida y del trabajo. Y es la manera de seguir como lo han hecho otras especialidades, sí, el deporte, hablo del deporte.

Hace 20 años, ¿Qué club de futbol tenía fisio y cómo lo tenía? Veremos dentro de 20 años qué pasa con el arte y sus centros educativos.

Para crecer hay que hablar, estudiar, difundir, activar, abrirse, trabajar, moverse, equivocarse (también, ¡de eso tengo un máster!), disfrutar y compartir. 

 Volviendo al tema de la evaluación. Les sorprende a los artistas cuando les comento que vengan con sus zapatos, con su instrumento, que me traigan grabaciones de sus bolos y actuaciones y es absolutamente necesario. 
En mi caso y en el centro que dirijo somos varios profesionales y se nos caracteriza por tratar cada uno temas diferentes, así es mucho más amplio nuestro campo de actuación  a la vez que efectivo. Se crea equipo y no solo con los compañeros que somos aquí, contamos también con especialistas en disfunciones de la témporo-mandibular, en nutrición, suelo pélvico, logopedas, dentistas, directores de escena y de terapia corporal. 

Por nuestra parte estamos poniendo al alcance de todos los que nos conocen y a través de las redes sociales todo lo que sabemos para que esto salga a la luz. Llevamos 16 años uniendo los campos artísticos y sanitarios para que la profesión en el escenario tenga las mismas facilidades de encontrar un especialista de la misma manera que lo tiene el deporte, así como en el campo de la investigación y la proximidad con el paciente.
Estamos convencidos de que poco a poco lo estamos logrando.

 Ya hemos hablado con colegios de fisioterapia, Generalitat de Catalunya, INAEM, asociaciones artísticas, de danza, de teatro, de música, universidades, comisiones obreras, sindicatos, revistas internacionales, etc y el resultado ha sido positivo, hay gente dispuesta a compartir y a crecer y sí, vale la pena.

Hemos creado una red de fisioterapeutas nacionales  y  también hemos formado a compañeros de Uruguay, México, Panamá y de Chile y próximamente estaremos (esta vez nos trasladamos nosotros) a Suiza y Argentina.

A nivel artístico hemos tratado a artistas internacionales que gracias a su satisfacción en el tratamiento nos han recomendado a la vez que han hecho difusión de la fisioterapia aplicada a las artes escénicas. Estamos muy contentos del resultado.

Cuando ganas calidad escénica en alguien cuando pensaba que ya estaba todo perdido, cuando vuelves a recuperar ese vibrato perdido, ¡cuando ya no hay dolor al bailar!, no hay palabras para describir la satisfacción de ambos, tanto del terapeuta como del artista.

¿Dónde está enfocado nuestro trabajo actual? En solventar dos cositas. La primera es que a veces, asociaciones artísticas que representan a grandes colectivos artísticos nos confunden con algo relacionado con los riesgos laborales y los derechos del intérprete y no permiten que haya comunicación directa del trabajo diagnóstico y de rendimiento a donde queremos llevar al artista con nuestro trabajo. La otra excepción y la más lesiva: el miedo de los mismos profesionales. Lo explico con ejemplos y detalle a continuación.

Los mismos profesores de conservatorios o técnicas corporales se apartan, no quieren saber del tema. Hay miedo al desconocimiento, en suponer que lo que realizamos es poner en cuestión su método de trabajo o técnica. Nada de eso. El trabajo final es optimizar el rendimiento, poner en conocimiento los últimos avances científicos para evitar lesiones y mejorar su capacidad mental, corporal y en definitiva artística. 

Estamos para sumar y compartir y enriquecernos los unos de los otros. El desconocimiento y las suposiciones es lo que nos aparta y no nos permite crecer. Y cuidado porque en el caso del profesorado no sólo hay que pensar en el profesional en sí, están trabajando con niños o adolescentes que se merecen lo mejor y estar informados, probar y decidir. No le podemos quitar esa opción porque no todos somos iguales y aunque el profesor piense con muy buena intención que está haciendo lo mismo que a él le funcionó, hay dos temas a tener en cuenta: no todos somos iguales y que saber de técnicas artista es básico e indispensable y no tiene nada que ver con saber anatomía, biomecánica, de bloqueos corporales, bioquímica, rendimiento muscular, equilibrio, comunicación nerviosa y capacidades corporales y mentales.

La ciencia está la lado del arte para verle crecer con más auge, no queremos ver lesiones derivadas del desconocimiento del cuerpo o de un sobreuso del mismo teniendo como tenemos a nuestro alcance herramientas que pueden evitarlo.

Queridos artistas, estamos aquí para ayudaros y mi misión es haceros saber que podéis conseguir lo que queréis sin tanto esfuerzo y sin un sobre exceso de repeticiones.

Y fisios, aprendamos a derivar y especializarnos que podemos hacer más y mejor y hay muchísimo campo por explorar y hacen falta manos, cabezas, corazones, ganas y predisposición.

¿Empezamos?

¡¡¡Venga, que nosotros seguimos y el camino promete ser precioso!!

Ana Velázquez

Dolor de músico. ¿Es saludable el trabajo que realiza Ara Malikian?

Ara Malikian es, sin duda, uno de los violinistas más especiales del momento. De origen armenio, este artista nacionalizado español, lleva años perfeccionando y transformando su personalidad musical. Con más de 40 discos en su haber, Malikian ha compartido su deleite por el arte a través de su violín en salas repletas de medio mundo.

Hemos visto a Malikian tocar de pie, sentado, corriendo, saltando, haciendo un espectáculo con su música y su equipo. Está tocando de una manera en la que integra el instrumento con su cuerpo de tal forma que puede desarrollar su capacidad psicomotora en otros aspectos. Esto es buenísimo para la circulación sanguínea, para el sistema linfático, neurológico, visual, cognitivo y sensorial. Determinadamente, es fantástico tener el instrumento tan integrado como lo tiene él.

Por otro lado, esta manera de hacer espectáculo es muy llamativa para los niños que les acerca a la música de una manera muy divertida y les invita a probar eso de “tocar un instrumento por primera vez”. Resulta muy agradable ver la belleza de sus movimientos armónicos de la misma manera que se usa un salto en un bailarín con la puesta en escena de un gran intérprete.

¿Qué hay que hacer para que la postura mantenida al tocar no sea tan lesiva?

Decimos lesiva porque estar quieto en una postura es más irritante e incómodo para el sistema músculoesquelético que estar moviéndose. Está claro que una posición mantenida del resto del cuerpo y con una hiper movilidad en una zona concreta, en el caso de los músicos, hace que la sangre vaya más rápido en la zona superior y más lenta en al inferior.

Los músculos se alimentan de los nutrientes que la sangre transporta y la velocidad con la que ésta llega a los músculos es muy importante para que éstos estén bien alimentados. Llevará nutrientes como el oxígeno, potasio, magnesio, hierro, proteínas, etc, y muy importante también: la sangre está ahí para llevarse las sustancias de deshecho: hidróxido de carbono, por ejemplo.

Por lo tanto, si en una parte del cuerpo se requiere mucha velocidad sanguínea porque los músculos de esa zona están trabajando a tope, lo lógico es que en la zona contigua haya también movimiento de tal manera que la sangre siempre esté con la misma velocidad y no tenga que “enfriarse” y entorpecer el ritmo en zonas alejadas de la zona que va rápida.

Es decir, lo importante es mantener un ritmo adecuado que incita a que la sangre vaya a velocidad constante tanto en la extremidad superior como en la inferior, proporcionando al mismo tiempo nutrientes y calor. De ahí la máxima de que “hay que calentar antes de tocar”. Para dar al músculo que va a trabajar los nutrientes, oxígeno y demás proteínas con la velocidad requerida para su óptimo funcionamiento a la vez que se eliminan las sustancias de desecho con una temperatura alta, adecuada para empezar a trabajar en las mejores condiciones para el músculo y las articulaciones.

Un ejemplo de calentamiento básico: subir y bajar escaleras, mover con poca velocidad los brazos y las piernas e ir aumentando la velocidad poco a poco, saltos pequeños que luego se hacen más grandes. No hace falta ni ir al gimnasio ni tener nada de material específico para realizar un buen calentamiento que no debe incluir estiramientos pasivos ya que éstos bajan el tono del músculo, es decir, lo relajan. No queremos músculos relajados para antes de tocar, queremos músculos activos llenos de energía para que puedan dar lo máximo en perfectas condiciones y por eso no estamos forzando con estiramientos ni con empezar a tocar encima del instrumento teniendo el cuerpo frío y poco activado.

Con estos ejemplos sencillos estamos haciendo una estupenda campaña de prevención de lesiones derivadas del sobreuso con el instrumento con el cuerpo frío o relajado.

¡Adelante con la música en un cuerpo sano!

¿Hiperlaxitud en músicos?

Estoy colaborando con este portal: promociónmusical.es y he escrito sobre un problema frecuente y cómo solucionarlo. La hiperlaxitud.

😉

¿la hiperlaxitud está en todo el cuerpo o solo en la mano?

 

 

http://promocionmusical.es/salud-del-musico-hiperlaxitud/

Dolor de Músico Parte 1

Cómo vivir sin dolor si eres músico

¿Qué es la posturología?

Estudia el equilibrio estático de la persona, tomando como resultante la conjunción de las fuerzas de la gravedad y la genética.

Tiene como base de estudio el sistema postural fino, el sistema que regula el equilibrio estático, donde están clasificadas todas las entradas neuronales y sensitivas que pueden alterar este orden corporal, ya sean externas  o internas. Hay varias maneras de valorar este sistema, evaluaciones funcionales y medidas, como la resultante de la estabilometría.

El estabilómetro, (tipo plataforma de fuerza) es el instrumento de medida que usan los posturólogos para poder evaluar clínicamente la regulación de la actividad tónica postural de los músculos, o sea, el centro de presiones que, con un margen de error del 1%, coincide perfectamente con el centro de gravedad.

El cuerpo está continuamente oscilando hacia delante y hacia detrás, y en menos grados hacia la derecha y la izquierda. Son las oscilaciones necesarias para que el cuerpo pueda continuamente equilibrarse. En sedestación también ocurren estos desequilibrios constantes siempre que se mantengan los pies bien apoyados en el suelo, de aquí la importancia de sentarse ergonómicamente de forma correcta.

Si estas alteraciones en estática no son fisiológicas, la dinámica también estará alterada.

En instrumentos muy grandes esta alteración se ve reflejada inmediatamente en la plataforma de estabilometría. Hay que tratar las alteraciones estáticas inmediatamente después de ser detectadas para poder mejorar el gesto técnico, el rendimiento y hacer una buena campaña preventiva de lesiones.

La posturología diagnostica el origen, el cómo y el dónde se ha producido la alteración primaria, la que ha originado este desequilibrio. Y en el caso de haberla creado, si ha hecho alteraciones secundarias que acaban por modificar la postura y alterar el equilibrio global del cuerpo.

La posturología se encarga de qué factores llamados captores posturales (alteraciones de presión interna, la transferida de peso a los pies, o las tensiones en el tejido externo de la piel, o en el oído, la visión,  etc.), han sido los responsables de la alteración postural. Éste es entonces el trabajo del posturólogo sanitario (odontólogo, optometrista, fisioterapeuta, podólogo, logopeda, etc.) que ha estudiado posturología y tiene la capacidad de analizar de forma global la postura del paciente y derivarlo a otro profesional y trabajar en globalidad. Hay que tener en cuenta que el dolor es otra causa de alteración corporal.

 

Mira la entrada en el blog PROMOCIONMUSICAL.ES

Dolor de Músico II. ¿Qué es la posturología y cómo ayuda al intérprete?

Cómo vivir sin dolor si eres músico

¿Qué es lo importante de diferenciar? Es cuando la alteración corporal no viene directamente derivada del gesto motor o de la postura estática en sí.

Las alteraciones posturales pueden desencadenarse de la ejecución motora con el instrumento o sin él. Hay que valorar esta última opción con detalle para descartar si la práctica instrumental es un agravante o una mejora de la reeducación motriz.

Y en este segundo caso se está utilizando la práctica instrumental como acto terapéutico de rehabilitación y reeducación corporal, ¡perfecto pues!

Recordamos que el cuerpo humano nunca va a adoptar una postura asimétrica por placer, si no por buscar una comodidad que, a simple vista, puede pasarnos desapercibida.

Estamos hablando de alteraciones posturales que persisten al evaluar la postura sin el instrumento, de las que adopta el cuerpo sin el instrumento que, en la gran mayoría de los casos, esta alteración postural se agrava al interpretar.

Atención, importante para los profesores:

Hay que tener cuidado en las etapas de crecimiento en la adolescencia, cuando estos cambios acelerados pueden alterar tanto esta postura que puede llegar a poner en peligro la función plena de un órgano vital. Un ejemplo es el caso de los pulmones cuando hay una desviación de la columna importante. Los profesores de música que tanto observan y corrigen la postura a sus alumnos, pueden ser ellos antes que los padres, los primeros en detectar estas asimetrías.

Los factores extrínsecos, (los estímulos que vienen de fuera del cuerpo y por lo tanto lo que está alterado es el proceso en que el cuerpo integra esta información) que hacen que la postura se altere son principalmente tres captores: el visual, la visión; el oral, la boca y el podal, los pies.

De la correcta información que el cuerpo recibe de todos ellos sale la correcta transmisión delequilibrio y la coordinación, que repercute directamente en la velocidad de acción y la agilidad.

Del captor visual, de la visión, se deriva la importancia de la capacidad de adaptación de los músculos que permiten el movimiento ocular, que estén simétricamente coordinados y sin restricción de movimientos. Si por ejemplo, hay un aumento de tensión en la parte externa del ojo, en el músculo recto externo, hay un aumento de tensión en todos los músculos posteriores del cuerpo, como son los músculos de la nuca, la espalda, piernas y planta de los pies ya que, la tensión se transmite a través de las cadenas musculares que forman los músculos en su consecuente cadena de movimiento.

Del captor oral, de la boca  y de la correcta oclusión (cierre de las mandíbulas), se puede alterar la correcta colocación de la cabeza y en consecuencia de la columna y provocar una inclinación de la misma.

Si estos captores están alterados es muy probable que el sistema vestibular, el oído y el temporal, hueso lateral de la cabeza, estén alterados en función o en posición.

Es importante para el músico saber si estos captores están influenciando en su oído musical o en su equilibrio.

Mira la entrada en PROMOCIONMUSICAL.ES

Si eres músico te interesa leer esto

Juntos unimos fuerzas y sabiduría: música y fisioterapia especializada 😉

Ana Velázquez

¿Todos los esfuerzos realizados hasta la fecha, horas de estudio y dedicación nos llevan a mejorar nuestro nivel interpretativo?

Al mismo tiempo que aumentan las horas de estudio, aumenta el riesgo de padecer una lesión por sobrecarga del sistema muscular.

Puedes estar ocasionando una lesión sin saberlo ya que la mayoría de afecciones vienen ocasionadas por el exceso de tensión muscular que llegan a atrapar los nervios causando dolor, hormigueo, falta de fuerza, precisión, etc.

¿Se puede de alguna otra forma? Sí, y estas formas se aprenden.

Son fórmulas que se deben integrar en el plan de estudios individualizado y que constan de modificar los siguientes puntos básicos:

-Si has descubierto a base de «ensayo-error» cuál es tu mejor postura, hay mejores opciones. Una visión objetiva será más acertada.

–Planificación de las piezas a estudiar según tu tiempo y la dificultad de las mismas. No dejes las difíciles…

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